Dance Image(s)

How to represent dance? How a painting, drawing, photography or video can express the movement that is inherent to dance? How to show the expression or charisma of a dancer? How to catch the atmosphere of a show? These are the questions the exhibition organised by The National Library of France at Garnier Opera offers to answer. The point of view is original considering it is to recount the different representations of dance over time, through around a hundred sketches, prints, photographs, sculptures and paintings. This exhibition also allows the National Library of France to expose its collection on dance, which is one of the largest in the world.

Portrait de Germaine-Yvonne Franck
Jean-Gabriel Domergue — ©ADAGP

The journey starts in the 17th century, continuing with the ballet costumes sketched with a nimble hand by Louis-René Boquet in the following century. From the early 19th century, dance acquired a legitimacy it had never had before with the explosion of Romantic ballet. One sees that at this time, the concern is as much to represent the expression of the movement than to be close to its social representations and to reflect the fantasies that it feeds. Dancers, who were once beyond the scene, were elevated to the level of myth. The romantic Marie Taglioni, her rival, the sensual Fanny Essler and Carlotta Grisi, as many famous interpreters than representations of dance. The popular imagery accounts a social status still apart, with the dancers' body and occasional prostitution caricatured and mocked as well as the underlining of the fetish of the foot and tutu. As well as the paintings of which one is by Degas, (where one sees the dancers at work or at rest, on stage or behind the scence), one notices the numerous sculptures by Jean-Auguste Barre or by Maurice Charpentier-Mio. This is proof that this art of material is paradoxically not the least appropriate to reflect the movement.

Danseuses s’exerçant au foyer de l’Opéra
Edgar Degas — ©BMO

Unfortunately the exhibition seems unfinished, leaving the visitor along the way, with the avant-gardist photographic works of Man Ray or Arturo Bragaglia from the early 20th century. Despite the evocation of the magical performances of the American Loïe Fuller and her posters from the 1900s, the allusions to the trend of renovation of dance and the technical challenges that it conducts, a few pictures of the second half of the 20th century, no videos and with only a few dancers alive : no place is given to the results of the current research on the representation of dance. Nothing seems to exist since the famous Nijinsky's jump photographed by Druet except some quickly picked photos, for example those of Béjar. The exhibition asserts the new possibilities that cinema and video have not diminished the power of photography in its reflection of the movement: . The contemporary period is omitted, which finally gives a fairly dusty image of dance.

Unfortunately this ambitious exhibition does not reply to all the questions that it asks. According to the information in the last room, the exhibition apparently ends turning around its intentions.

The exhibition runs until the 11th January 2008.
Bibliothèque-musée de l’Opéra Palais Garnier
Place de l’Opéra – 75009 Paris
Tel. +33 (0)1 53 79 37 40
Open every day from 10am to 5pm (closed on afternoon performance days)
www.bnf.fr

Image(s) de la danse

Comment représenter la danse ? Comment la peinture, le dessin, la sculpture, la photographie ou la vidéo peuvent rendre compte du mouvement inhérent à la danse ? Comment donner à voir l’expression ou le charisme d’un danseur, comment capter l'atmosphère d'un spectacle ? Telles sont les questions auxquelles se propose de répondre l’exposition que La Bibliothèque nationale de France organise à l'Opéra Garnier. L'angle de vue est original, puisqu'il s'agit de retracer les différentes représentations de la danse au cours du temps, à travers une centaine de dessins, estampes, photographies, sculptures et tableaux. Cette exposition permet également à la Bibliothèque nationale de France de mettre en valeur son fonds sur la danse, qui est l’un des plus riches au monde.

Portrait de Germaine-Yvonne Franck
Jean-Gabriel Domergue — ©ADAGP

Le parcours commence au 17e siècle et se poursuit avec les costumes de ballet croqués d’une main leste par Louis-René Boquet au siècle suivant. Dès le début du 19e siècle, la danse acquiert une légitimité qu’elle n’avait jamais eue jusqu’alors. C’est l’explosion du ballet romantique. On voit bien qu’à ce moment, le souci est autant de rendre le mouvement que de coller aux représentations sociales qui l’accompagnent et de restituer les fantasmes qu’elle nourrit. Les danseuses, qui occupent désormais le devant de la scène, sont élevées au rang de mythes. Marie Taglioni la romantique, sa rivale, la sensuelle Fanny Essler, Carlotta Grisi, autant d’interprètes célèbres que de représentations de la danse. L’imagerie populaire n’est pas en reste, qui montre quant à elle l’image d’un statut social encore à part, caricaturé et raillé à propos du physique des danseurs ou de leur prostitution occasionnelle. Le fétichisme autour du pied et du tutu de la danseuse est souligné. Outre des toiles, dont celles de Degas, où l'on voit les danseuses au travail ou au repos, sur scène ou en coulisses, on remarque les nombreuses sculptures de Jean-Auguste Barre ou de Maurice Charpentier-Mio. Preuve que cet art de la matière n’est paradoxalement pas le moins approprié pour rendre le mouvement.

Danseuses s’exerçant au foyer de l’Opéra
Edgar Degas — ©BMO

Mais l’exposition semble inachevée, nous laissant en chemin, en compagnie des travaux photographiques avant-gardistes de Man Ray ou d’Arturo Bragaglia, au début du 20e siècle. Malgré l’évocation des spectacles féériques de l’Américaine Loïe Fuller et de ses affiches dans les années 1900, malgré les allusions aux courants de rénovation de la danse et aux défis techniques qui l’animent, peu de photos de la seconde moitié du 20e siècle, pas de vidéo, pas ou peu de danseurs vivants ; aucune place n'est accordée aux résultats des recherches actuelles en matière de représentation de la danse. Rien ne semble avoir existé après le célèbre saut de Nijinski photographié par Druet si ce ne sont quelques photos saisies au vol, comme celle de Béjart. L'exposition affirme que les possibilités nouvelles offertes par le cinéma et la vidéo n'ont pas affaibli le pouvoir de la photographie dans sa restitution du mouvement : encore fallait-il le démontrer. La période contemporaine est ainsi laissée de côté, ce qui donne en définitive une image assez poussiéreuse de la danse, du même coup peu mise en valeur.

Cette exposition ambitieuse et difficile à mettre en œuvre ne répond malheureusement pas à toutes les questions qu’elle pose. À l’image de sa dernière salle, elle finit en tournant autour de ses intentions.

Du 19 juin 2008 au 11 janvier 2009
Bibliothèque-musée de l’Opéra Palais Garnier
Place de l’Opéra – 75009 Paris
Tél. : +33 (0)1 53 79 37 40
Tous les jours de 10h à 17h, sauf les jours de représentation en matinée.
tarif plein : 8.00 euros
tarif réduit : 4.00 euros
www.bnf.fr

Some pretty vixens: The ‘Parisiennes’ by Kiraz

Most Parisian museums in the French capital present only the first retrospective dedicated to artist Kiraz. Edmond Kiraz is the father of the ‘Parisiennes’, the skinny characters with impish little faces whom gave Kiraz his fame and fortune.

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Original Gouache published in Elle n°3000, 30 June 2003
34 x 24,5 cm — The artist's collection

Recently, the Carnavet museum have traced the work of sixty years throughout a chronological journey that is portrayed through around a hundred original gouaches. The exhibition brings together some of Kiraz's artwork for press, advertising and fashion as well as including a few oil paintings.
‘Kiraz’ (Edmond Kirazian being his real name) did not begin his career observing and recreating these seductive young ladies. He was born in 1923 in Cairo and started by publishing political cartoons in newspapers edited in Egypt. He arrived in Paris in 1946 and created his first feminine figures in the early fifties. From 1959 to 1987, Marcel Dassault offered him a double page in his publication called Jours de France: the birth place of the ‘Parisiennes’. These creatures with long legs and huge eyes were elegant, liberated and mischievous. The artwork was naive, colourful, simple and refined, bringing almost immediate success. Kiraz also worked on several advertising campaigns, most notably for Perrier and the Scandale lingerie, then Renault, Parker and Nivea, whom used Kiraz and his ‘Parisiennes’, and even manufactured a doll. In 2001, Vogue Nippon August used the gouaches for a special issue dedicated to ‘Luxury Brands’. The collaboration between Kiraz and Canderel was the longest (1995-2000) and the most successful, with the famous caption: “You can wear elephant' pants without being one”.

My poor husband! He has just got used to
my figure that I have just changed.
Original Gouache published in
Gala, October 1999
37 x 29 cm — The artist's collection

Later, Kiraz's gouaches reappeared in many places, in particular in Gala, but also in the foreign press, where the provocative attitude of the ‘Parisiennes’ seduced all. Hugh Hefner, CCO of Playboy Enterprises and Editor in Chief of Playboy Magazine has given Kiraz a page in his magazine every month, for more than thirty years. The exhibition shows a dozen of these gouaches, as well as a few of Kiraz's paintings of which the quality is unfortunately not as close to his talent as a cartoonist.

The captions that accompany Kiraz's drawings are just as humorous and engaging as the artwork itself, encompassing the complete ‘Parisiennes’ spirit. The captions are sometimes lucid and honest: (to a life-guard) “You saved my life and I would like to save yours: do not marry me!”, sometimes venal: “Andre, It is simply a coincidence: our love and our yacht sunk at the same time.”, obsessed by their figure: “Mum, a friend who is a model is having dinner with us tonight, can you add a leaf of salad?”, futile, frivolous and shopping mad: (to a policeman) “I never take my vehicle registration certificate (grey card in French) with my rose outfit!”, gently impertinent and man hungry: “There are many types of woman inside me. How do you want me to be satisfied with only one man?”, and always spicy: “I am very chaste: my husband has never seen me naked... except on the beach.”, both dreamy and down-to-earth: “I would like to find a rich man that I would not marry for his money.”

I do not want to disturb you, Angèle: I am looking for my diary.
Original Gouache published in Gala, June 1997
33 x 26,5 cm — The artist's collection

Modern and timeless, with a touch of cynism, in newspaper or museum, the ‘Parisiennes’ are always appealing.

The exhibition runs until the 21st September 2008
Musée Carnavalet
23 rue de Sévigné – 75003 Paris
Tel: +33 (0)1 44 59 58 58
Open every day from 10am to 6pm except Mondays and Bank Holidays
www.carnavalet.paris.fr

De jolies chipies : les Parisiennes de Kiraz

Le plus parisien des musées de la capitale française présente la première rétrospective consacrée au dessinateur Kiraz. Edmond Kiraz est le père des Parisiennes, les créatures filiformes au minois mutin qui ont fait son succès.

Sans titre
Gouache originale parue dans Elle n°3000, 30 juin 2003
34 x 24,5 cm — Collection de l’artiste

Le musée Carnavalet retrace ainsi soixante années de travail à travers un parcours chronologique articulé autour d'une centaine de gouaches originales. L'exposition rassemble des dessins de Kiraz pour la presse, la publicité ou la mode ainsi que des huiles.
En effet, Kiraz, Edmond Kirazian de son vrai nom, n'est pas venu tout de suite à ses séduisantes demoiselles. Né au Caire en 1923, il commence par publier des dessins politiques dans des journaux édités en Egypte. Arrivé à Paris en 1946, il crée ses premières figures féminines au tout début des années cinquante. De 1959 à 1987, Marcel Dassault lui offre une double page dans son magazine Jours de France : les Parisiennes sont nées. Ses créatures aux jambes infinies et aux yeux immenses sont élégantes, libérées et pétillantes, le dessin est naïf, coloré, simple et fin : le succès ne tarde pas. Il amène avec lui de nombreuses campagnes publicitaires. Perrier et la lingerie Scandale, puis Renault, Parker ou Nivea font appel à Kiraz et à ses Parisiennes, qui ont même eu une poupée à leur effigie. En 2001, Vogue Nippon August détourne les gouaches pour une parution spéciale “marques de luxe”. Mais c'est sans doute avec Canderel que la collaboration est la plus longue (1995-2000) et la plus réussie, avec les fameuses légendes : “On peut porter des pattes d'éléphant sans en être un”.

Mon pauvre mari ! À peine s’est-il habitué
à ma silhouette que je change de silhouette.
Gouache originale parue dans
Gala, octobre 1999
37 x 29 cm — Collection de l’artiste

Les gouaches de Kiraz réapparaissent ensuite, notamment dans Gala, mais aussi dans la presse étrangère. C'est aussi l'attitude innocemment provocante des Parisiennes qui séduit. Hugh Hefner, le patron de Playboy US, ne s'y est pas trompé, lui qui confie chaque mois et depuis plus de trente ans à Kiraz une page de son magazine. L'exposition présente une dizaine de ces gouaches, ainsi que quelques toiles de Kiraz dont la qualité n'est pas à la hauteur de ses talents de dessinateur humoristique.

Car il ne faut pas oublier les légendes de Kiraz, inséparables de ses dessins. Tout l'esprit des Parisiennes est là. Elles sont tantôt lucides et honnêtes : (à un maître nageur) “Tu m'as sauvé la vie et je voudrais sauver la tienne : ne te marie pas avec moi !”, tantôt vénales : “C'est simplement une coïncidence, André : notre amour et notre yacht ont sombré en même temps.”, obsédées par leur ligne : “Une amie mannequin vient dîner avec nous, maman : veux-tu ajouter une feuille de salade ?”, futiles, frivoles et folles de shopping : (à un agent de la circulation) “Je n'emporte jamais ma carte grise avec mon ensemble rose !”, gentiment impertinentes et croqueuses d'hommes : “Il y a en moi plusieurs femmes. Comment voulez-vous que je puisse me contenter d'un seul homme ?”, toujours piquantes : “Je suis très pudique : mon mari ne m'a jamais vue nue… excepté à la plage.”, à la fois rêveuses et terre-à-terre : “Je voudrais trouver un homme riche que je n'épouserais pas pour son argent.”

Je ne veux pas vous déranger Angèle : je cherche mon agenda.
Gouache originale parue dans Gala, juin 1997
33 x 26,5 cm — Collection de l’artiste

Bref, modernes et intemporelles, au cynisme attendrissant, dans un journal comme au musée, les Parisiennes plaisent.

Jusqu'au 21 septembre
Musée Carnavalet
23 rue de Sévigné – 75003 Paris
Tél. : +33 (0)1 44 59 58 58
Ouvert tous les jours de 10h à 18h sauf les lundis et jours fériés
www.carnavalet.paris.fr

Paris expo: Vlaminck illuminates Paris

Autoportrait, 1911
Huile sur toile, 73 x 60 cm
Paris, Centre Georges Pompidou, Musée National d’Art
Moderne, Centre de Création Industrielle
Donation Louise et Michel Leiris, 1984
Inv. AM 1984-677
© Photo CNAC/MNAM Dist RMN /© Droits réservés /
photo de presse
© ADAGP, Paris, 2007

Fifty years after the death of the artist, Musée du Luxembourg in Paris dedicates an exhibition to French painter Maurice de Vlaminck (1876-1958). About a hundred paintings and ceramics from the painter are exposed, as well as African art objects that inspired the artist. The exhibition begins in 1900, while the artist was still young. One discovers his unknown talents as a portraitist, like in The little girl with the doll or On Zinc. The paintings that represent dancers and prostitutes from The dead rat cabaret show his will to represent his characters with their flaws, as he wrote himself in Portraits before death. Because Vlaminck, self-taught painter, did not only have one string to his bow. As a writer, he wrote some licentious novels (From a bed to another, 1902, All of that for this, 1903) and some autobiographical novels in which he tells his own vision of painting (Dangerous corner, 1931). Thus the exhibition is punctuated with quotes from his own writings. Young, Vlaminck did at first begin a career as a professional cyclist and started making a living through his talents as a violinist, which he got from his parents. It was only from 1906 that he started living of his paintings, thanks to the large paintings dealer Ambroise Vollard. It is according to his request that he painted, like other painters, André Metthey’s ceramics of which the exhibition presents a selection.

La Fille du Rat Mort, 1905
Huile sur toile, 78 x 65 cm
Kunststiftung Merzbacher
© Droits réservés
© ADAGP, Paris, 2007

But Vlaminck was primarily one of the masters of Fauvism, with Matisse, Braque and his friend Derain. Even if, like the most representatives of this movement, Vlaminck has just passed through Fauvism, the paintings from this short period (1905-1907) are, without any doubt, the most successful of the painter and the most representative of his art. Vlamink shows there is not necessary to visit South of France to find colour and light. Indeed he painted the landscapes of the Seine valley, Bougival, Chatou, Rueil or le Pecq, with large touches and a fireworks of red, orange, yellow, green, pink and blue, sometimes grazing abstraction, sometimes drawing dark contours around his motifs. From Barges at Chatou to The collectors of potatoes going through the darkest, but nevertheless fauvist, painting called The chestnut grove at Chatou, Vlaminck uses everything that make the charm and the audacity of Fauvism: exaggerated contrasts, exalted and violent colours, impastos, simplification of shapes. The paroxysm is reached with The orchard (1905), a painting that lets explore bright and pure colours in a mad gaiety.

From 1907 and until 1915, Vlaminck’s paintings slip from Fauvism to a more geometric representation of shapes. If the influence of Van Gogh is reflected in his full of simplicity still lives, it is the one of Cezanne that is the most evident in the productions of this period. The geometric shapes villages and his Bathers (1907), which make think about The young ladies of Avignon from Picasso, show Cubism is trendy. Influenced by African art, in fact Vlaminck will be attracted by the Cubist movement, but his intention to not get away from reality will make him touch lightly the Cubist experience. His Still life with a knife and his mix of geometric shapes and representation of reality show it. Similarly, rebel and fresh stems get out irresistibly from his bouquets of cubist flowers.

Le Pont de Chatou, 1906-07
Huile sur toile, 68 x 96 cm
Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie
© Jörg P. Anders
© ADAGP, Paris, 2007

Because there is Vlaminck’s touch: everywhere a movement but never a veritable renunciation of colour. Vlaminck’s paintings, coming from several countries and brought together in Paris, create a bright and successful exhibition.

Exhibition: “Vlaminck: a fauvist instinct”
from February 20 to July 20 2008
Musée du Luxembourg
19 rue Vaugirard, Paris 6e — France
www.museeduluxembourg.fr

Paris expo : Vlaminck illumine Paris

Autoportrait, 1911
Huile sur toile, 73 x 60 cm
Paris, Centre Georges Pompidou, Musée National d’Art
Moderne, Centre de Création Industrielle
Donation Louise et Michel Leiris, 1984
Inv. AM 1984-677
© Photo CNAC/MNAM Dist RMN /© Droits réservés /
photo de presse
© ADAGP, Paris, 2007

Cinquante ans après la mort de l’artiste, le musée du Luxembourg consacre une exposition au peintre français Maurice de Vlaminck (1876-1958). Une centaine de toiles du peintre et des céramiques sont présentées, ainsi que des objets d’art africain qui inspirèrent l’artiste. L’exposition commence en 1900, alors que le peintre est encore jeune. On y découvre ses talents méconnus de portraitiste, comme dans « La petite fille à la poupée » ou dans « Sur le zinc ». Les toiles où sont représentées les danseuses et prostituées du cabaret Le rat mort laissent transparaître sa volonté de représenter ses personnages avec leurs tares, ainsi qu’il l’écrira lui-même dans Portraits avant décès. Car Vlaminck, peintre autodidacte, n’avait pas qu’une corde à son arc. Écrivain, il livra des récits licencieux (D’un lit à l’autre, 1902, Tout pour ça, 1903) et des récits autobiographiques où il raconte sa vision de la peinture (Tournant dangereux, 1931). L’exposition est ainsi ponctuée des citations tirées de ses propres écrits. Jeune, Vlaminck a tout d’abord entamé une carrière de coureur cycliste et commença à gagner sa vie grâce à ses talents de violoniste, qu’il tenait de ses parents musiciens. Ce n’est qu’à partir de 1906 qu’il commence à vivre de sa peinture, grâce au grand marchand de tableaux Ambroise Vollard. C’est à la demande de ce dernier qu’il peint, comme d’autres artistes, les céramiques d’André Metthey dont l’exposition présente une sélection.

La Fille du Rat Mort, 1905
Huile sur toile, 78 x 65 cm
Kunststiftung Merzbacher
© Droits réservés
© ADAGP, Paris, 2007

Mais Vlaminck fut avant tout l’un des maîtres du fauvisme, avec Matisse, Braque et son ami Derain. Même si, comme la plupart des représentants de ce mouvement, Vlaminck ne fait que passer par le fauvisme, les toiles issues de cette courte période (1905-1907) sont sans conteste parmi les plus réussies du peintre et les plus représentatives de son art. Et Vlaminck montre avec talent qu’il n’est nul besoin de se rendre dans le Sud de la France pour trouver la couleur et la lumière. Il peint en effet les paysages de la vallée de la Seine, Bougival, Chatou, Rueil ou le Pecq, avec de larges touches et un feu d’artifice de rouges, d’orange, de jaunes, de verts, de roses et de bleus, tantôt frôlant l’abstraction, tantôt traçant des contours sombres autour de ses motifs. De Péniches à Chatou aux Ramasseurs de pommes de terre en passant par le plus sombre et néanmoins fauve tableau La châtaigneraie à Chatou, Vlaminck use de tout ce qui fait le charme et l’audace du fauvisme : les contrastes exagérés, les couleurs exaltées et violentes, les empâtements, la simplification des formes. Le paroxysme est atteint avec Le verger (1905), une toile qui laisse exploser les couleurs vives et pures dans une folle gaieté.

À partir de 1907 et jusqu’en 1915, les toiles de Vlaminck glissent du fauvisme vers une représentation plus géométrique des formes. Si l’influence de Van Gogh se retrouve dans ses natures mortes pleines de simplicité, c’est celle de Cézanne qui est la plus manifeste dans les toiles de cette période. Les villages aux formes géométriques et ses Baigneuses (1907) qui font penser aux Demoiselles d’Avignon de Picasso montrent aussi que le cubisme est dans l’air du temps. Influencé par l’art africain, Vlaminck sera en effet attiré par le mouvement cubiste, mais sa volonté de ne pas s’éloigner du réel ne le fera qu’effleurer l’expérience cubiste. Sa Nature morte au couteau et son mélange entre formes géométriques et représentation du réel le montrent bien. De même, de ses bouquets de fleurs cubistes sortent irrésistiblement des tiges rebelles et fraîches.

Le Pont de Chatou, 1906-07
Huile sur toile, 68 x 96 cm
Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie
© Jörg P. Anders
© ADAGP, Paris, 2007

Car c’est là que réside la touche Vlaminck : partout un mouvement et jamais de véritable renoncement à la couleur. Les toiles de Vlaminck, en provenance d’une multitude de pays et rassemblées à Paris, font une exposition lumineuse et réussie.

Exposition : « Vlaminck : un instinct fauve »
du 20 février au 20 juillet 2008
Musée du Luxembourg
19 rue de Vaugirard, Paris 6e
www.museeduluxembourg.fr